Cinéluctablement

2006-01-05T23:11:00.000-05:00

Wow!
Je suis positivement surprise! Les deux nouvelles émissions que j'ai vues ce soir sont de très bonne facture, instructives et critiques! Tout cela à Radio-d'un-océan-à-l'autre!
I'm flabbergasted!

Évidemment, je parle de Ici Louis-José Houde et du Fric Show. Deux émissions d'une demie-heure chacune, sur lesquelles Radio-caca compte beaucoup, puisqu'elles sont programmées au moment de la semaine où les cotes d'écoute sont les plus élévées: le jeudi soir.

Je n'ai pas besoin de vous décrire les concepts, puisque Radio-canevas fait assez de publicité pour ses propres shows pour que ça soit complètement inutile d'en dire plus sur le contenu.
En tout cas, les deux émissions sont de très bonne facture, et plus crédible que des émissions comme Véro ou Janette, qui visent sur le kétaine de votre ~~mère~~ tante.

C'est à voir absolument, selon moi.

******

À quand le retour des Chick'N'Swell? J'écoutais leur DVD tantôt...
Il combat tout les démons: Super Curé, Super Curé!

Le chocolat c'est pas ton truc, Tim.

2005-10-04T19:59:00.000-04:00

Lundi soir j'ai finalement été voir Charlie and the Chocolate Factory, puisque mon prof m'a enlevé le goût de me jetter sur Oliver Twist à sa première semaine malgré le fait que je sois une grande fan de Polanski. J'ai donc été au «&?)&!)X*!» de Paramount parce que c'était la seule salle où ça jouait encore et j'ai payé vraiment trop cher (12.50$) pour une place dans une salle IMAX (alors que depuis que je suis très petite, je fais des nausés et des mals de tête à chaque fois que je rentre dans ces salles-là).

Mais pour parler du film en tant que tel...
J'ai été très déçue. Y'a un bail que je ne me fis plus vraiment aux commentaires des autres à propos d'un film, mais mon admiration pour Tim Burton me faisait croire qu'il serait impossible qu'il fasse de ce classique une bouze totale. Chapeau, Burton! Hélàs...
Non, non, non, c'est pas si pire. Mais c'est quand même assez mauvais. Je vais essayer en un premier temps à m'en tenir à une critique qui ne prend pas en considération l'existence d'une première version de ce classique, par Mel Stuart, comme mentionné sur mon blogue vers le début de l'année.

D'abord il y a toute cette très longue introduction qui ne nous apprend finalement que des trucs assez inutiles: pourquoi insiste-t-on à ce point sur l'ancien emploi du grand-père à la chocolaterie? La sénilité soulignée à grands traits de la grand-mère apporte-t-elle réellement quelque chose? Et c'est sous-titres «20 ans avant», «15 ans avant» dans les flashbacks: sommes-nous réellement des idiots? Le traitement des scènes du temps passé est assez différent à celui du présent pour qu'on puisse couper sur ces repères mal placés.

Puis, il y a tout l'épisode de la recherche des billets d'or. Répétition et mocheté. La caricature devient elle-même risible lorsqu'elle se veut à ce point être remarquée. Encore une fois, un manque de subtilité, monsieur Burton. D'ailleurs, quelqu'un veut bien me dire pourquoi le petit Allemand est blond aux yeux bleus et qu'il est entouré de saucisses?

Johnny Depp. Son jeu ne me semble pas mauvais, mais j'ai l'impression qu'il ne comprend pas son personnage, puisque finalement, nous ne le comprenons pas non plus. Personnellement, j'ai trouvé les flashbacks assez inutiles. Ils expliquent peut-être pourquoi ultimement, Willy est devenu chocolatier (très original, le thème du conflit père-fils), mais alors à quoi sert la scène de la réconciliation? Un tas de choses qui me donnent l'impression que le film a été mal préparé et mal écrit, malheureusement.

Cependant, il n'y a pas que du noir. Comme on pouvait s'y attendre avec Burton, la direction artistique est impeccable. J'adore l'aspect hyper-coloré de la chocolaterie versus la ville, et les éléments expressionnistes parsemés ici et là. Les passes des Oompa Loompa sont hilarantes, comme la musique qui les accompagne. Les acteurs jouent bien, ce qui surprend beaucoup du côté des enfants, d'ailleurs.

Finalement, pour en revenir à la comparaison à laquelle on ne pouvait fuir: la version de 1971 est mille fois meilleure, avant tout pour sa subtilité. Quand on la regarde, on se pose des questions: le film s'adresse-t-il vraiment à un public d'enfants, ou avons-nous raison d'y percevoir des choses étranges te morbides? Gene Wilder jouait un Willy Wonka sans passé, sans explications: un rôle troublant, donc, par l'incapabilité de notre part de pouvoir faire la moindre hypothèse. La pauvreté de la famille Bucket était jouée beaucoup plus sobrement mais cent fois plus crédible et on croyait réellement à la Justice que Wonka apportait à la fin (certains sont même allés jusqu'à dire du film de Stuart qu'il était une métaphore de la foi judéo-chrétienne).

Tout cela est très négatif. Ça doit être parce que ça faisait très longtemps que j'avais été au cinéma et que ça a été une expérience plate pour renouer avec la salle obscure.

NB: Je suis présentement en train de travailler sur un cours métrage que nous réalisons en équipe de quatre, pour le CEGEP. Le tournage se trouve à être les deux dernières fins de semaine d'octobre, puis nous montons jusqu'à la fin de la session. Un stress intense me prend à toutes les fois où je me mets à penser au tournage. J'ai bien peur de devoir avouer que j'en ai pas bien envie.

Fin de la 9ème édition du Fantasia

2005-07-26T18:13:00.000-04:00

Voici le communiqué apparu sur le site officiel, www.festivalfantasia.com . Comme vous le voyez, trois de mes quatre coups de coeur en resortent gagnants!

Le 26 juillet 2005

Le jury officiel du festival Fantasia, présidé par le réalisateur Érik Canuel et composé de Daniel Andréani (Agence Diesel), Nabi-Alexandre Chartier (MusiquePlus), Pierre Dalpé (Partners Montréal), Michèle Grondin (Radar Films) et Patrick Masbourian (Ztélé et TQS) ont présenté leur palmarès au public.

Palmarès officiel du 9ème Festival International de
films de genre Fantasia :

Meilleur film :
Mind Game (Japon, Yuasa Masaaki)

Meilleur réalisateur : Ex æquo
Gen Sekiguchi - Survive Style 5 + (Japon)
Yuasa Masaaki - Mind Game (Japon)

Meilleur scénario :
Yuasa Masaaki - Mind Game (Japon)

Meilleure cinématographie :
Kosuke Matushima - The Taste of Tea (Japon)

Meilleur acteur :
Choi Min-sik – Crying Fist (Corée du Sud)

Meilleure actrice :
Kate Greenhouse – Dark Hours (Canada)

Prix spécial - Accomplissement visuel :
Yuasa Masaaki - Mind Game (Japon)

Les prix du public Fantasia 2005

Meilleur film d’Asie

Fantasia d’or : Ex æquo
Survive Style 5 + (Gen Sekiguchi, Japon, 2004)
The Taste of Tea (Katsuhito Ishii, Japon, 2004)

Fantasia d’argent :
Crying Fist (Ryoo Seung-wan, Corée du Sud, 2005)

Fantasia de bronze : Ex æquo
Arahan (Ryoo Seung-wan, Corée du Sud, 2004)
Godzilla – Final Wars (Ryuhei Kitamura, Japon 2005)

Meilleur film européen ou américain

Fantasia d’or : Ex aequo
El Lobo (Miguel Courtois, Espagne, 2005)
Trouble (Harry Cleven, Belgique/France, 2004)

Fantasia d’argent :
The Devil’s Rejects (Rob Zombie, ÉUA, 2005)

Fantasia de bronze :
Night of the Living Dorks (Matthias Dinter, Allemagne, 2004)

Meilleur film d’animation

Fantasia d’or :
Mind Game (Yuasa Masaaki, Japon, 2004)

Fantasia d’argent :
The Place Promised in Our Early Days (Makoto Shinkai, Japon, 2005)

Fantasia de bronze :
Live Freaky! Die Freaky! (John Roecker, États-Unis, 2004)

Film le plus innovateur

Fantasia d’or :
Survive Style 5 + (Gen Sekiguchi, Japon, 2004)

Fantasia d’argent :
Mind Game (Yuasa Masaaki, Japon, 2004)

Fantasia de bronze :
The Taste of Tea (Katsuhito Ishii, Japon, 2004)

Meilleur court métrage

Fantasia d’or :
Kakurenbo (Shuhei Morita, Japon, 2005)

Fantasia d’argent :
Flat Life (Jonas Geirnaert, Belgique, 2004)

Fantasia de bronze :
Redrat: La Rata Retobada (Guillermo Kloetzer,Uruguay, 2004 )

Fantasia [No.3]

2005-07-23T12:07:00.000-04:00

Un père de famille qui se prend pour un oiseau, la violente revenante d'une conjointe morte et enterrée, trois ados voleurs qui parlent toujours de sexe, une publiciste qui fixe sur son travail, un tueur à gage Anglais qui demande aux gens «l'utilité» de leur vie avant de les achever. Ce sont les personnages colorés (littéralement) dont on retrouve les histoires entrecroisées dans Survive Style 5+, film de Gen Sekiguchi et Taku Tada, un film unique, sublime et phénoménal qui m'a complètement soulevée de ma chaise lorsque je l'ai vu hier au Fantasia. «A life changing experience***».

Par où commencer? Il y a tant de choses à dire sur ce film extrordinaire! À commencer par le récit, qui est en fait un bouquet d'histoires (il y en a plus que cinq, comme le titre l'indique, mais les autres sont suivies moins longtemps) qui se croisent plus ou moins; certains personnages des différentes histoires intéragissent, d'autres ne vont que se voir, se croiser. Tout est monté de façon impeccable. On passe de l'histoire d'un personnage à un autre par des liens ingénieux et certains raccords sont extrêmement beaux à voir. Tout est trop extravagant, trop coloré (encore plus que dans un film japonais habituel!) or la fine différence entre réalité et fiction est presque oubliée par le spectateur tellement on entre dans le jeu. Je ne vois donc aucune faiblesse dans ce scénario saturé en éléments grotesques et hilarants.

Les comédiens sont à eux seuls un gros morceau dans ce film où les personnages sont mis de l'avant. On retrouve donc des acteurs talentueux, dont plusieurs sont bien connus et reconnus. Entre autres Tadanobu Asano, que j'ai connu grâce à son rôle (l'oncle) dans The Taste of Tea, mais qui est aussi bien connu pour avoir personnifié Kakihara dans Ichi the Killer et avoir joué dans Zatôichi, parmis tant d'autres films. Ici il incarne un homme qui tente d'assassiner sa conjointe, malheureusement immortelle. Il y a aussi Yosiyosi Arakawa, que l'on retrouvait l'an passé au Fantasia dans l'exceptionnel Ping Pong. Vinnie Jones, acteur Anglais bien connu ayant joué dans Lock, Stock and Two Smoking Barrels ainsi que dans Snatch.

Tous les éléments du film sont très travaillés: les décors et les costumes donnent un ton encore plus surréaliste à l'histoire, la photographie est très belle: on a l'impression d'être devant une toile vivante à tout moment, mais une toile peinte au marqueurs fluos et aux surligneurs, tellement les couleurs sont saturées. La musique est très bien incorporée au mélange, on sent que le son a été travaillé: contrairement à la tendance générale du kétaine asiatique (j'aime beaucoup le cinéma asiatique, mais force est de constater un certain kitsch, qui peut dans certains cas être très cool) qui met de la musique de bord en bord des films, quelque chose qui me dérange de plus en plus fortement. Les chansons sont d'ailleurs très bien sélectionnées et restent dans la tête après le film. La mise en scène est parfaite, à un point tel qu'elle nous hypnotise à certains moments. Elle peut aussi causer la perte de votre mâchoire inférieure, qui se décrochera sûrement du reste de votre tête à un moment où à un autre (moi ça a été au début de la scène dans l'avion puis au spectacle d'hypnose).

Un film qui, comme c'était le cas de The Taste of Tea, un autre coup de coeur Fantasia 2005, fait l'éloge de la folie et de l'excentricité, cette fois-ci dans un quotidien moins «normal» mais peut-être, qui sait, plus près de notre réalité que nous le croyons. Comme le dit la devise du film: «Nobody is Perfect»...

Bonne fin de Fantasia à tous les fans! Pleurez pas trop quand ce sera fini... Ça reviendra l'an prochain!

***C'est ce que disait un critique concernant Mind Games, un autre film présenté au Fantasia et dont j'ai parlé dans mon Fantasia [No.1]. Je trouve que cette phrase s'applique aussi bien (et «encore plus» dans mon cas) à Survive Style 5+.

Fantasia [ No. 2]

2005-07-18T23:25:00.000-04:00

Onze films de vus jusqu'à maintenant et un nouveau coup de coeur à proposer, bien qu'il ne soit plus présenté au Fantasia (malgré ses deux présentations à guichet fermé). C'est Kamikaze Girls, un excellent film japonais par Tetsuya Nakashima.

En fait c'est l'histoire d'un Lolita japonaise, c'est-à-dire une adepte d'un mouvement de mode/société purement japonais qui se base sur un amour de certains styles vestimentaires de d'autres époques: Rococo, époque victorienne, style «French Maid», etc. (c'est un style qui est souvent associé au mouvement gothique lorsqu'il est exporté à l'extérieur du Japon). Cette jeune fille, complètement solitaire, née d'un père yakuza et d'une mère qui s'est sauvée avec son gynécologue, ne vit que pour une chose: ses vêtements. Et c'est justement en essayant de ramasser plus d'argent pour s'en payer d'autres encore qu'elle rencontre une fille vraiment trash, Ichiko, membre d'une bande de motardes, sans manières, s'habillant «n'importe comment» et qui, en plus, crache! Comment une amitié pourrait-elle se fonder entre ces deux jeunes femmes? Et va-t-il vraiment s'en fonder une?

Tetsuya Nakashima fait un vrai tour de force dans ce film ou direction photo et direction artistique sont particulièrement travaillées. Travellings en moto en campagne, bagarres dans la bouette, contrastes entre les «gens simples» et Momoko, la jeune lolita. Et que penser de cette magnifique scène sur laquelle le film commence, où Momoko, projetée dans les airs par une collision avec un camion de choux, vole entre vie et mort au dessus des champs. C'est à en couper le souffle. CGI et dessins animés font leur apparition eux aussi dans le film, toujours très bien intégrés. L'histoire, même si on peut ne pas adhérer à son fond, est très intéressante et amusante. Une chose est sûre: on ne s'ennuie pas une seconde en écoutant Kamikaze Girls et certaines scènes nous restent gravée dans la mémoire pour probablement très longtemps, telle la bataille où par dessus les coups de barres de métal et les engulades de motardes, on n'entend que le calme précieux du Danube Bleu...

Nouveau compteur

2005-07-18T23:21:00.000-04:00

Petite note pour annoncer l'arrivée, vendredi, d'un compteur à la droite de l'écran. Vous pourrez ainsi être aussi étonnés que moi du traffic sur mon humble blogue...

FantAsia [ No. 1]

2005-07-12T21:28:00.000-04:00

Je mentionnais dans mon message précédent deux films «coup de coeur». J'ai pour le moment (et malgré ma fatigue) un peu de temps pour tenter de vous convaincre d'aller les voir, avant qu'il ne soit trop tard (en fait il est déjà trop tard pour Mind Game dont la dernière présentation était ce midi)...

Mind Game de Masaaki Yuasa (Japon), dessin animé
Nishi est tué de façon ridicule par un mec louche qui agresse Myon, la fille dont il est amoureux depuis douze ans. Confronté à Dieu, qui se moque de la vie absurde que le jeune homme a vécu, Nishi refusera la situation et retournera au monde des vivants, quelques secondes avant sa mort. Après avoir tué l'agresseur, il se sauvera avec Myon et la soeur de celle-ci «vers un monde meilleur où il pourra en faire qu'à sa tête», avant d'être avalé par une baleine géante...

Mind Game est une histoire simple doublée d'une animation inovatrice et impeccable et de situations complètement loufoques. En fait c'est probabablement l'équivalent japonais des Triplettes de Belleville. Énormément de références à des animes, de Robotech a Akira, c'est un film qui vous ferra certainement rire aux larmes, du début à la fin.

+++++++++++

The Taste of Tea de Ishii Katsuhito (Japon)
La vie quotidienne d'une famille habitant en province japonaise. La mère, artiste de dessins animés; le père, hypnotiseur; le fils, étudiant vivant une peine d'amour; la fille, qui veut se défaire de la «elle-même géante» (sorte d'amie imaginaire) qui la suit partout; l'oncle, hippie mixeur de sons et le grand-père excentrique.

Le film, qui se veut un hommage au calme quotidien comme à la folie qui se cache sous celui-ci, est extrêmement prenant. À la fois drôle, loufoque et mélancolique, l'histoire nous accroche dès le tout début (comme la très drôle «chanson de la montagne» qu'on entend vers la fin et qui nous reste prise dans la tête pour un bon bout de temps!!!) , avec une mise en scène qui recèle à la fois la lenteur contemplative asiatique et la folie japonaise.
Vous pouvez encore courrir le voir le 13 juillet à 21h30, ou à la supplémentaire le 16 juillet à midi (au Théatre Hall).

Sur ce je vous laisse, en esperant que mes fautes d'orthographe ne vous décourageront pas trop (je m'excuse, je suis très fatiguée).

Yamayoooo Yamayo! Yamayo Yamayooo! (je vous ai dit qu'elle restait dans la tête, la chanson!)

Festival Fantasia 2005

2005-07-11T10:37:00.000-04:00

Aah! Il est déjà commencé! Ce festival qui me rend folle à chaque année aux mêmes dates, et qui laisse, une fois terminé, l'impression que Montréal est de nouveau une ville plate...Jusqu,au Fantasia de l'an prochain.

Je l'ai probablement déjà dit: je vais au Fantasia depuis 2001, la dernière année où ça se tenait encore à l'Impériale. À cette époque j'étais très impressionnée par la file d'attente qui faisait plusieurs coins de rue sur Sainte-Catherine.
L'année suivante il n'y a rien eu. Pas de Fantasia, travaux de réparation de l'Impérial à la dernière minute obligent. J'ai viré folle.

J'avais prévu une trentaine de films cette année, mais à cause de la job je n'ai acheté que la moitié des billets. Pour le reste on verra. Je suis déjà poquée au max puisque je n'ai pas passé un jour sans voir de film depuis vendredi (où ça a été le top score, avec trois films de suite), sans dire que j'en vois encore un ce soir.

Bon, je vous donne ma liste de films, en ordre chronologique:

-Plase Promised in our Early Days (ça a mal ouvert le bal, en fait...)
-Mind Game
-Portrait de petite Cossette

-Arahan

-The Taste of Tea

-Shaolin Temple

-Kamikaze Girls
-Cromartie High School

-Phantom Master: Dark Hero from Ruined Empire
-Otakus in Love

-All Babes want to kill me
-Survive Style 5+

J'ai déjà vu cinq films sur ces douze-là et quand j'aurai le temps (donc après le festival) je ne manquerai pas de vous en parler. J'étais censée voir Low Life après The Taste of Tea, hier, mais le premier film a été retardé de presque une heure -chose qui n'arrive jamais au Fantasia- et vu que je calcule mes horaires serrés et que Low Life était dans l'autre salle, finalement quand je suis sortie c'était déjà commencé depuis 30 minutes. J'ai fait échanger mon billet contre un coupon et donc je verrai un autre film n'importe quand (ET je ferrai un autre tour à la billeterie, ce qui veut dire acheter un autre paquet de billets).

À suivre...

PS: À voir absolument avant que tout soit terminé: Mind Game et The Taste of Tea.

L'été et le cinoche...

2005-06-25T19:29:00.000-04:00

Bizarrement, alors que l'industrie calcule que le consommateur moyen va voir plus de films et plus fréquemment l'été que durant l'année, mon cas est plutôt contraire. Alors que je vois habituellement un minimum d'un film sur grand écran (peut-être pas nécessairement au cinéma, mais à un ciné-club au moins) par semaine durant l'année scolaire en excluant ceux vus en classe, l'été est souvent un temps mort pour moi concernant le cinoche. Habituellement je vais y voir un gros max de 2-3 films par mois (euh...en excluant le festival Fantasia dont je parlerai tout à l'heure). Pour la location vidéo c'est plutôt la même chose, pour cause que je vis en banlieue et donc que La Boîte Noire est une méchante trotte à partir de ma maison (environ une heure de transports en commun), alors que durant l'année scolaire je peux y passer quand je veux puisque j'étudies en ville.

Donc j'avoue n'avoir vu, depuis le début de mes congés, qu'un seul film au cinéma. Mais un film excellent, selon moi. C'est C.R.A.Z.Y. de Jean-Marc Vallée. Un film concernant avant tout les relations inter-générationnelles et mêlant autant de rires que de pleurs. Je ne veux pas m'étendre et faire une critique complète puisque ça fait quand même deux semaines que je l'ai vu, et malgré le fait qu'il reste gravé dans ma mémoire je ne me sens plus apte à en faire une critique correcte comme si je l'avais vu hier. Pour en parler rapidement je pourrais dire que l'histoire est extrêmement bien fignolée, plein de petits détails, de subtilités, de signes. Les comédiens sont excellents, je n'en ai pas remarqué un seul qui «faussait». La bande sonore est excellente (voyons voir... je crois bien que deux des toutes premières chansons sont Sympathy for the Devil et Space Oddity, chansons qui figurent toutes deux dans mon palmarès des meilleurs tounes de tout les temps). La photographie est très belle et les transitions très bien faites. Plusieurs m'ont dit que certains éléments étaient forcés (le parallèle avec Jésus à un moment précis du film, par exemple), mais j'y vois plus comme un soulignement conscient par le réalisateur qui illustre ici l'influence des croyances parentales sur la vie du fils (à la fois aliéné par et adhérant à cette religion).
Finalement, un très bon film à voir d'un réalisateur assez nébuleux jusqu'à maintenant.
D'autres courts et longs métrages réalisés par J-M Vallée selon le IMDb (je ne les ai pas vus) sont: Les mots magiques, Loser Love, Liste Noire ainsi que quelques autres.

Sinon il y a aussi Les États Nordiques de Denis Côté qui sera à l'affiche au Ex-centris tout le mois. J'avoue avoir eu la chance de voir ce film bien auparavant, puisque le directeur photo est un de mes enseignants et qu'il nous a présenté le film lors d'une scéance de ciné-club au début de 2005, en présence de Denis Côté. Vu que «la mémoire trop courte pour bien critiquer» s'applique encore plus ici force de temps passé, je n'ai pas grand chose à dire d'autre que c'est un film assez bon, d'une lenteur qu'on retrouve très rarement dans le cinéma québécois et d'un respect très palpable du respect cinéaste-intervenants. Le film est à mi-chemin entre un documentaire et une fiction, nous apprenant beaucoup sur «Radisson», la ville québécoise qui se trouve «là où la route se termine». Les acteurs ne sont autres que les gens du village (à part le personnage principal qui est comédien de métier), ce qui donne parfois une étrangeté à la scène, un ton très naïf mais intéressant (d'ailleurs mon prof avait beaucoup d'anecdotes bien cocasses à nous raconter sur les entrevues avec les gens du village). Si vous n'êtes pas au courant, le film raconte tout simplement l'histoire d'un homme qui met un terme à la vie de sa mère gravement malade et qui va l'enterrer «au bout du monde», au village non-autochtone le plus au Nord du Québec, où il prendra le temps de recommencer sa vie.
Le film était dans la sélection pour la Quinzaine à Cannes mais a été parmi les derniers à être enlevé de la liste. Il est en ce moment-même officiellement retenu pour un autre grand festival international, mais je viens d'apprendre (par le journal quand même) que mon prof m'a donné une information privilégiée et donc que je n'ai pas le droit d'en parler... ;-P

++++++++

Le mois de juillet à Montréal rime avec...FANTASIA! Et encore une fois je serais spectatrice active à ce festival de films fantastiques et de genre que j'ai connu en 2001, à l'époque où le festival se tenait encore au Cinéma Impérial (vous vous rendez compte? Ils avaient présenté cette même année la nouvelle copie restaurée de Akira!). Je dis «spectatrice active» parce que le nombre de films que j'y vois se compte par dizaines à chaque édition. La programmation a paru cette semaine, mais la vente de billet ne débutera que le 5 juillet, le festival se tenant du 7 au 25 juillet au Théâtre Hall et à la salle J.A. De Sève des deux pavillons de Concordia accessibles par le métro Guy.
Pour plus d'information vous pouvez visiter www.fantasiafest.com (les programmes papiers ne seront pas en vente avant le 30 juin).

Pour ma part j'essaierais de glisser quelques mots concernant les films les plus marquants que j'y aurai vu.

+++++++
Une dernière petite note: les critiques mangas dont je parlais dans mon message précédent seront publiées non pas sur mon blogue mais sur le site à narF, dans la section Fanclub, sous-section «Fanclub à Ariane».

Manga! mangas...?

2005-05-28T22:27:00.000-04:00

Comme à mon habitude pendant l'été, je retrouve une passion insatiable pour le manga, cette variation du neuvième art propre au Japon. J'ai cette semaine acheté neuf mangas que j'ai soit lus, soit très hâte de lire.

Les fans de cet art très particulier savent déjà que le marché du manga d'édition française a énormément changé, pendant les deux à trois dernières années. Je dirais qu'avant 2003, une «bonne année» pour l'édition française ne dépassait pas les 200 à 300 titres traduits et publiés. L'an 2004 s'est terminé avec non moins que 760 volumes traduits [chez les maisons d'édition française - je ne m'occupe pas dans cet article et en général des autres]. Ce gain de popularité, je ne peux pas vraiment l'expliquer puisqu'il concide justement avec une période dans laquelle j'ai plus ou moins complètement cessé de m'intéresser aux mangas. Je crois cependant que pour la France, cela coincide avec une période où les médias ont commencé à être plus cléments avec les mangas (on avait encore énormément de préjugés là-bas sur ces «japoniaiseries») grâce à certaines honneurs prestigieux gagnés par le manga entre autres au très sérieux Festival international de la bande dessinée à Angoulême.

Certains fans diront que la nouvelle situation n'est plus aussi intéressante que celle qu'il y avait auparavant, où l'on pouvait suivre toutes les séries ou à peu près et où il y avait tout un milieu «underground» créé autour du mouvement (fanzines, conventions et cosplays plus obscurs que les conventions grand public et orientées vers la vente que l'on retrouve souvent maintenant), or je n'oserais trop me plaindre puisque le gain de popularité à permis la publication de beaucoup de titres d'auteurs, moins accessibles auparavant pour des questions de marché (les éditeurs publiaient, par exemple, que quatre ou cing cent copies d'un livre de Taiyo Matsumoto, et pour les fans québécois cela signifiait qu'il fallait commander d'Europe).

Tout ceci pour en venir au fait que j'ai débusqué une excellente revue la fin de semaine dernière, dont voici une mini-critique que j'ai écrite pour les gens du forum de narF:

+++
Ça s'appelle «Les cahiers bédéka: à la découverte du manga», et c'est un hors-série de la collection de magazine mensuel qui s'appelle BÉDÉKA. BÉDÉKA est un magazine français qui se concentre sur la bédé franco-belge, or je ne pourrais en dire beaucoup plus puisque j'en ai jamais lu d'exemplaire. Jusqu'à maintenant ils ont sorti deux numéros hors-série, et tous deux se concentrent uniquement sur le manga (d'ailleurs sur le forum du site officiel, ils annoncent que tous les numéros hors-série concerneront les mangas exclusivement).

J'ai donc mis la main sur le deuxième hors-série, celui d'avril/mai 2005 (sur la couverture ça dit que c'est le numéro 1, mais c'est uniquement parce que le précédent était le «numéro zéro»). En couverture on y retrouve une superbe illustration de Jiro Taniguchi issue du manga Le sommet des dieux.
Le magazine est divisé en quelques parties: actualités, dossiers, entretiens (puisqu'il y a deux courtes entrevues avec des mangakas), critiques et finalement 100 pages de manga à lire (divisées entre trois mangas: L'arbre au soleil [Tezuka], Say hello to Black Jack [Syuho Saito] et de Coq de Combat [Hashimoto/Tanaka]). Le format en est un peu usité pour des magazines: il est deux fois plus grand qu'un livre de poche et épais de 150 pages.

Pour en venir au contenu: on y apprend un tas de choses, notamment que la NASA et les Pokémons font une alliance, que Akira Toriyama (le mangaka de Dragonball) a désigné une nouvelle voiture qu'on retrouve maintenant sur le marché, qu'un collectif de bédéistes américo-belgo-franco-nippon s'est créé pour une nouvelle collection d'oeuvres où se rencontre le neuvième art de chacune de ces nationalités respectives, etc.
Il y a aussi un dossier sur l'histoire du manga et sur les catégories de mangas. Les critiques de titres parus sont faites en fonction de l'intérêt des titres (on critique pas des oeuvres ultra-connues, par exemple, puisque ça servirait à rien) et la sélection des mangas publiés est extrêmement bien faite (en fait L'arbre au soleil est même en prépublication) et adulte: je n'aurais jamais pensé retrouver Coq de combat, un manga extrêmement intéressant mais très dur, dans un magazine quelconque...

Ce que j'en pense: WAHOU!
C'est jusqu'à maintenant le meilleur magazine concernant le manga que j'aie trouvé (et je suis triste que ce ne soit pas une édition normale, mais qu'un hors-série prévu de sortie deux fois par semestre) et probablement aussi le seul qui se concentre uniquement sur le manga sans toucher à l'anime.
C'est un magazine sérieux, quoi qu'il ne tombe pas non plus dans les grosses analyses: les articles sont [très!] courts mais l'info est concentrée et ça nous donne toujours envie d'en lire plus sur le sujet traité. Il y a beaucoup de recherche faite et on aborde l'art du manga justement d'un angle artistique, ce qui revient à dire qu'on ne s'arrête pas aux titres populaires mais qu'on cherche plutôt à traiter d'oeuvres importantes ou marquantes.
La mise en page est très bien, tout est fait pour faciliter la lecture. Les titres publiés le sont en sens de lecture ORIGINAL japonais (en tout cas pour 2 sur 3 des mangas parus dans ce numéro), ce qui donne un autre plus à la revues.

Autre aspect intéressant: c'est un magazine qui s'adresse aussi bien aux connaisseurs de mangas qu'aux fans de bédé franco-belge, puisque le magazine BÉDÉKA est orienté vers un lectorat de fanas de bédé. On prend donc une attention particulière à nous introduire aux titres dont on parle et au manga en général comme si on s'adressait à des gens qui ne sont pas nécessairement des connaisseurs de mangas. Ce qui est très intéressant lorsqu'on voudrait une petite intro ou lorsqu'on veut INITIER de nos amis ou de la famille.

LES MOINS:
Pour que vous compreniez l'importance capitale de se procurer le magazine (et donc d'encourager le staff à en faire une version mensuelle...), je vous en donne les deux seuls mauvais côtés selon moi (et j'ai cherché fort en vain pour en trouver d'autres) :
premièrement, il y a le prix, qui est assez élevé. La qualité du papier étant celle d'un livre de poche normal et les droits d'auteur pour la publication de 100 pages de planches d'éditeurs différents expliquent en grande partie le 10,50$ (après taxes) du magazine (l'import doit jouer aussi).
Le deuxième que je trouve est assez moindre: quelques fautes d'orthographe ou de syntaxes. Selon moi elles sont accidentelles (des erreurs d'inatention et de révision), mais ça peut toujours jouer sur une crédibilité (n'y a-t-il pas des fans de mangas français qui ont cessé de lire telles ou telles séries pour cause de mauvaise révision de la langue?).

J'ai trouvé le magazine dans la section bébé/manga de la Maison de la presse à Berri-uqam, mais il est probablement disponible ailleurs où le choix de magazines est relativement vaste.
+++

Donc, je voulais aussi demander l'avis général quant à un nouveau projet pour l'été. Je comptais commencer sur Cinéluctablement une section manga où j'écrirais principalement des courtes critiques ou commentaires sur les mangas que je lis. Je ne veux pas que ça prenne le dessus sur la section cinéma (qui, je sais, à déjà été assez négligée de ces-temps-ci) donc je ferais l'effort de balancer mes messages pour rester dans la vocation première du blogue. Je voudrais donc receuillir auprès de mon lectorat des commentaires quant à la création de cette nouvelle section; pour? Contre? Intéressé? Curieux? Pas curieux?...

Après une longue absence

2005-05-27T14:00:00.000-04:00

...Je suis enfin de retour!
En fait c'est la fin de session qui a été dure. Et elle n'est pas complètement finie (il me reste quelques travaux à remettre).
J'ai concentré beaucoup d'énergie à la réalisation de mon documentaire de fin de session, pendant les deux derniers mois. En tout, pour un court-métrage de 10 minutes, sans compter le temps passé à faire de la recherche pour les intervenants, à organiser le tournage et à tourner en tant que tel, moi et mes deux coéquipiers avons passé plus de cinquante heures de montage. Et le film a été remis hier au professeur. Il y aurait pu avoir encore quelques améliorations, mais je n'avais plus la force de travailler encore dessus et puis la projection aura lieu lundi (pas le temps de se lancer dans de grosses opérations d'amélioration du film, donc).

Je ne sais pas quoi penser du résultat final. Le documentaire est fait dans un style très «conventionnel», probablement parce que je voulais plus me concentrer sur le fond. Or, quand je regarde les films des autres étudiants, ils ont tous faites des choses vraiment pétées (côté technique, création). Jusqu'à mercredi j'étais morte de peur à l'idée de présenter mon film lundi prochain, mais mon prof l'a écouté deux fois et il a dit que c'était bon. Il m'a aidé à mettre le doigt sur des choses qui pouvaient peut-être être modifiées, tout en me réconfortant en me montrant les plans et les scènes qu'il trouvait très bien. Je peux maintenant souffler, même si je sais que mon film n'est pas un chef-d'oeuvre. Je souligne que je n'ai jamais eu l'intention d'en faire un [chef- d'oeuvre], que j'ai fait ce que je pouvais étant quelqu'un qui est beaucoup plus porté vers les études cinématographiques que la création en tant que telle.

Donc finalement je suis fière, puisque le résultat est à mon avis vraiment pas trop mal. Et il reste encore la projection, séquence finale de ce long périple...

Pour ceux qui se questionnent, c'est un documentaire sur le mouvement gothique. J'avais encore l'intention d'expliquer ce phénomène lors de la préparation du film, mais la complexité de traiter de cette communauté sans généraliser et sans caricaturer - surtout dans le cadre d'un film de 10 minutes- m'a finalement pousser à réaliser un documentaire qui cherche plutôt à détruire les préjugés qu'on associe au mouvement et simplifier à l'extrême ses bases complexes pour en donner un portrait global. J'ai eu trois intervenants pour les entrevues: Nancy Kilpatrick, écrivaine très en vogue dans ce milieu (elle a écrit plus de 20 romans concernant des personnages «dark» ou des vampires, et elle a récemment publié son premier essai, The Goth Bible), Hugues Leblanc, photographe inspiré du gothique et du fétichisme, ainsi que Michel Poulain de Courval, anthropologue, photographe et cinéaste. Les trois se disent eux-même gothiques et représentent bien différents points de vue à l'intérieur du mouvement.

De quel film s'agit-il? [ Prise 25 ]

2005-04-25T21:15:00.000-04:00

Kung Fu Hustle!

2005-04-24T00:30:00.000-04:00

Hier j'ai été voir Kung Fu Hustle (VO.: Gong Fu) de Stephen Chow (Shaolin Soccer), film venu tout droit de Hong Kong (où il détient présentement le titre du film ayant récolté le plus d'argent au box-office, de tous les temps, tout juste après le précédent film de Chow).

Cette comédie raconte l'histoire d'un couple de propriétaires d'appartement dans un disctrict pauvre d'un Shangai des années 1940 qui se voient soudainement attaqués par la plus dangereuse mafia du coin, la Axe Gang ("la bande des haches", puisque ceux-ci ont comme armes de préférence des haches bien aiguisées) suite à une malencontreuse bagarre avec deux jeunes aspirant faire partie de l'horrifiante gang.

Je dois dire que je m'attendais à un film bien et que je me suis ramassée à écouter un film très bien et même très bon, à mon humble avis. Kung Fu Hustle est un film fabuleusement imaginatif, qui rallie humour asia-style à de l'action magnifiquement bien chorégraphiée.

Le film (d'une heure et demie, qui passent très vite) a dû être un vrai effort d'imagination pour les scénaristes (ils sont quatre, dont Stephen Chow) et le spectateur ne peut être que surpris à chaque nouvelle ingéniosité du réalisateur. Les codes du cinéma asiatique ne sont pas les mêmes que ceux du cinéma américain et occidental en général, même s'il y a une tendance évidente à l'osmose. Ces différences se voient du côté créatif de façon à ce que, en général, pour le film américain, l'inventivité passe par exemple par la création de nouveaux mondes (cités futuristiques, mondes parallèles fantastiques) ou de nouveaux types de créatures. Alors que du côté asiatique, souvent, on joue avec la nature même des choses, même les plus banales (cela a sûrement un lien avec le côté très contemplatif de leur culture). Ainsi dans Kung Fu Hustle, deux musiciens sont employés pour tuer des maîtres de Kung Fu grâce aux notes qu'ils peuvent produire avec leur pseudo-harpe (l'instrument a certainement un nom, mais ma pauvre culture musicale ne saurait le trouver). J'imagine trois secondes le travail d'écriture scénarique que cela nécessite;

«L'homme assit sous un arbre gratte de ses longs doigts les cordes de l'instrument dont une gamme de notes s'échappent, puis après un silence, il recommence. Coolie marche sur le sentier au devant de cet homme, lui tournant le dos et à chaque fois qu'un air de musique se fait entendre des feuilles de bambou tombent, comme coupées par une lame invisible. Après quelques reprises de ce manège, c'est un chat que l'on voit bondir d'un toit puis se sectionner en deux morceaux, encore suspendu dans l'air. Coolie se retourne, entend une dernière gamme et sa tête se sépare de son corps pour aller rouler sur le sol.»

Cela doit quand même être une épreuve, pour présenter à son producteur. Et ce n'est qu'un exemple dont le film regorge et qui nous surprend à chaque fois. Souvent, cette créativité sert à la comédie: l'humour du film n'en est certainement pas un que l'on peut qualifier de fin, mais il est tout de même bien efficace. À noter aussi la quantité de clins-d'oeil à des classiques du cinéma.

Un autre aspect très marquant de ce film est, comme je le mentionnais, son aspect très chorégraphié. Il est remarquable de voir, surtout au début du film, la façon propre à chacun des personnages de se mouvoir, ainsi que chacune des fois où la Axe Gang, légions d'hommes tout en noir une hache à la main, apparaissent comme sortis de nul part. Les scènes de batailles sont certainement époustouflantes, même pour les gens comme moi qui ne sont pas nécessairement de grands fans de films d'arts martiaux. À noter d'ailleurs que le nom «arts martiaux» est un témoignage du status qu'ont ces types de sports dans leurs pays d'origine et qu'il est donc, à mon avis, très prétencieux de la part de critiques ou de la population en général de dénigrer sans autre raison les films asiatiques fortement portés vers les arts martiaux, comme il l'a été fait à la sortie de ce Kung Fu Hustle.

Finalement, un film à voir pour se rafraîchir, surtout quand notre imagination est à zéro, ou tout simplement pour rire quand la température de Montréal en fin avril nous déprime... ;-P

De quel film s'agit-il? [ Prise 24 ]

2005-04-23T19:18:00.000-04:00

De quel film s'agit-il? [ Prise 23 ]

2005-04-22T20:09:00.000-04:00

De quel film s'agit-il? [ Prise 22 ]

2005-04-20T20:20:00.000-04:00

De quel film s'agit-il? [ Prise 21 ]

2005-04-19T15:31:00.000-04:00

De quel film s'agit-il? [ Prise 20 ]

2005-04-17T19:42:00.000-04:00

Eh oui! Déjà rendus à la prise 20!

De quel film s'agit-il? [ Prise 19 ]

2005-04-17T14:40:00.000-04:00

Vous reconnaissez le personnage, mais reconnaîtrez-vous le film?

Demander la Lune

2005-04-13T21:33:00.000-04:00

J'ai été voir au cinéma du Parc la semaine dernière (samedi) Steamboy, dessin animé japonais du maître de la BD, Katsuhiro Otomo.

Et comme je m'y attendais, j'ai été très déçue. Si vous vous intéressez moindrement aux dessins animés, ou aux sorties cinéma en général, vous aurez lu la même chose dans pas mal tous les journaux: on s'attendait à un grand film, or celui-ci n'est certainement pas qualifiable de «grand», ni d'«extraordinaire» (dans le sens littéraire), ni même de «bon»; or il est impossible de s'en prendre réellement à Otomo: après tout, c'est LE maître du dessin animé, l'homme qui a réalisé le film-culte Akira qui a complètement révolutionné le monde de la japanimation, mais aussi de l'animation d'un point de vue mondial, lors de sa sortie en 1988. Akira a d'ailleurs été un des dessins animés 2D le plus couteux de tous les temps ; Steamboy vient de prendre la place DU plus coûteux [au Japon], cependant il sera aussi le plus désastreux pour ses producteurs, puisque le film n'a même pas, au box-office japonais, récolté assez d'argent pour rentrer dans ses frais. Pourtant, il est complètement impossible de blâmer Otomo...

L'aventure Steamboy a pris naissance il y a très longtemps. Très très très longtemps, en fait, si on calcule le temps que l'idée a pris à germer dans la tête de son créateur. Or pour ce qui est connu de la démarche artistique de celui-ci, c'est en 1995, alors qu'il travaille sur des segments du film Memories (ensemble de trois moyens métrages animés), que Katsuhiro Otomo parle pour la première fois de réaliser son film et met sérieusement en branle le projet.

Pour les non-initiés, ce qu'il faut savoir c'est que Otomo est probablement un des bédéistes les plus respectés au Japon (même s'il ne fait pas de mangas dans le style «traditionnel» ou «mainstream» de cet art) et qu'après avoir réalisé le véritable film-culte Akira (en très grande partie dessiné à la main, réalisé selon sa série manga éponyme), il pouvait se permettre n'IMPORTE QUOI dans ce milieu. Il est cependant resté assez calme: il a réalisé un petit film basé sur un de ses vieux mangas, Roujin Z (Vieil Homme, 1991), puis Memories(1995), puis un film en "real-life" World Appartment Horror (1991, maintenant introuvable, et certainement basé sur son manga Domu: Rêves d'enfants). Il a aussi supervisé les animés Spriggan (1998) et le très apprécié et troublant Perfect Blue de Satoshi Kon (1997), avant d'écrire, en 2001, le scénario de Métropolis, hommage au manga de Osamu Tezuka (le première manga-ka moderne) qui rendait lu-même hommage au film de Fritz Lang. Otomo ne réalise donc pas de films aussi incroyables que Akira durant cette période; ces projets sont un peu secondaires à la nouvelle vie qu'il s'est trouvée, celle de publiciste (il est d'ailleurs, j'ai ouïs dire, le publiciste le plus coûteux à engager au Japon, et est rattaché officiellement à la cie Canon).

Donc en 1995 Otomo décide qu'il réalisera son deuxième chef-d'oeuvre, Steamboy. Il commence le projet, mais est vite arrêté par son producteur qui lui demande de faire une version exportable de son film, donc, faire une version familiale. Otomo ne veut pas, mais il y est contraint s'il veut obtenir la somme extraordinaire qu'il demande. LÀ se trouve LE problème, auquel je reviendrai plus tard. Il se plie aux exigences du producteur, jusqu'à ce qu'en 1998, il dépasse le budget alloué et soit obligé de cesser le projet. C'est alors que Sunrise et Production I.G. se joignent au financement du projet, deux cie de production majeure au Japon. Le film est donc continué, et terminé en 2004, pour paraître en été au Japon. Il aura coûté plus de 20 ooo ooo$US à produire.

Force est de constater lorsque l'on regarde le film, que ces 20 000 000$ auraient peut-être pu être mieux gérés... Certe, d'un point de vue graphique, c'est un film très très bien réussi, quoi que j'avoue avoir vu des séquences de films (pas de films au complet) où le graphisme était plus impressionnant (je pense par exemple au tout premier plan du film de Escaflowne, où l'on confond facilement le ciel dessiné avec un véritable ciel). Le détail dans le dessin, surtout dans les arrières-plans, est magnifique, comme c'est toujours le cas avec Otomo. On peut sentir aussi à quel point il s'est amusé à la conception des machines qui apparaissent tout au long du film. Pourtant le film manque tellement de quelque chose que s'en est risible par moment. Et ce quelque chose, c'est le scénario.

Or, le scénario, c'est la première chose à laquelle le génie d'Otomo a pensé. Qu'est-ce qui s'est passé? C'est bien simple: la demande du producteur d'en faire un film pour enfants. Sur les dizaines d'oeuvres (papier) sur lesquelles Otomo a travaillé dans sa vie, il n'a tenté qu'une fois de faire un projet s'adressant à un public plus jeune, et cessé après 24 planches. Katsuhiro Otomo est fondamentalement un artiste du trouble, du chaos, le la violence, de la cruauté, du sarcasme et de l'humour noir. C'est aussi un bédéiste qui fait des oeuvres extrêmement complètes et réfléchies, offrant toujours énormément de degrés de lecture (si l'on ne pense qu'à Akira, les centaines d'auteurs et d'universitaires qui s'y sont penchés et ont publié à son sujet avouent qu'il n'existe à ce jour aucune analyse complète de cette oeuvre [on parle du manga et du film comme étant une seule et unique oeuvre] tellement elle est riche et complexe). En lui demandant de faire un film familial, on lui demandait de trahir son style. Je crois qu'il a, après avoir été longtemps en dilemne, accepté la demande de son producteur, sachant qu'il ne pourrait jamais trouver ailleurs assez d'argent pour essayer une telle expérimentation sur le point de vue graphique. Il a donc complètement mis de côté le scénario, faisant une histoire sans queue ni tête, digne du pire étudiant en scénarisation au cegep (héhéhé). On va même jusqu'à y voir -et ça du début à la fin du film- des personnages qui expliquent en détails ce qu'ils font et les conséquences de leurs gestes afin de «masquer» les failles du scénario [première règle au cinéma: on doit faire comprendre par l'image et non pas le dialogue]. Tout cela est très mauvais.

En fait je crois qu'il n'y a qu'une chose de consciente dans le scénario: un pied-de-nez assez subtil au producteur. À un moment donné, la machine «ultime», l'oeuvre finale de la famille d'inventeurs est dévoilée et on veut s'en servir comme machine de guerre. Il faut la détruire et le plus vieux des créateurs veux, avant de la faire disparaître complètement, montrer qu'il avait prévu une «utilisation beaucoup plus digne» de celle-ci. La machine-château-volant se couvre donc de centaines de manèges, de caroussels, de lumières de parc d'attraction. Ce moment déjanté, totalement déconnecté du reste du film est à mon avis un symbole clair pour quiconque connaît bien le style d'Otomo.

Finalement, Steamboy est un film à ne surtout pas voir, à moins que vous soyiez comme moi un énorme fan d'Otomo, intéressé à connaître le bon comme le mauvais de ce qu'il a à offrir. Pour ceux qui ne le connaissent pas du tout, la Boîte Noire loue Akira (version originale et version restaurée en 2001) ainsi que Memories et Robot Carnival (ensemble de plusieurs courts-métrages pour lequel il a réalisé deux séquences, celles d'intro et de conclusion). Akira est aussi le seul dessin animé japonais à ma connaissance à être présenté regulièrement à la Cinémathèque québécoise.

Je vous conseille aussi fortement de visiter le site de Gérald Ligonnet couvrant le plus possible de l'oeuvre extraordinaire de Katsuhiro Otomo: http://otomo.free.fr ( la section artographie est la plus complète sur la toile).

Et oui, je l'avoue, Otomo, c'est ma muse à moi aussi et je crois sérieusement que c'est un des artistes les plus intéressants de ce siècle.

De quel film s'agit-il? [ Prise 18 ]

2005-04-10T13:43:00.000-04:00

De quel film s'agit-il? [ Prise 17 ]

2005-04-05T16:26:00.000-04:00

De quel film s'agit-il? [ Prise 16 ]

2005-03-31T20:48:00.000-05:00

De quel film s'agit-il? [ Prise 15 ]

2005-03-28T16:15:00.000-05:00

Un très beau film selon moi. Un des films d'animation les plus respectés et appréciés mondialement. Et on est loin du Walt Disney (je vous ai déjà dit que je n'aimais pas Disney?).

De quel film s'agit-il? [ Prise 14 ]

2005-03-23T22:43:00.000-05:00

Plus ou moins récent... Toujours intéressant.

Chroniques d'un dictateur

2005-03-13T21:06:00.000-05:00

Hier, j'ai été voir Der Undergang (La Chute) au Cinéma du Parc. On en avait bien sûr entendu parler à cause des Oscars, mais aussi à cause de petites histoires d'historiens, ici et là, qui criaient scandale par rapport à la représentation du Furher dans ce film...

J'ai trouvé le film très bon. L'histoire (les 12 derniers jours de Hitler, dans son bunker, et des gens autour de lui -- vu par sa secrétaire, madame Junge) est bien montée, facile à suivre (si on connaît les faits historiques, qui ne sont pas expliqués dans le film) et l'on ne tombe pas dans le mélodrame, qu'on retrouve si souvent dans les films sur la deuxième Guerre Mondiale. J'ai bien apprécié le fait que le film ne se concentre pas sur les Juifs: je suis tannée de voir des films sur la 2GM où l'on nous montre en long et en large le sort des Juifs. Je crois qu'il y en a trop eu, bons et mauvais, et que cela fini par banaliser ce génocide, en même temps que ça forme une association dans la pensée des gens (2GM= génocide Juif, comme s'il n'y avait QUE ça). Le cinéaste, Oliver Hirschbiegel, a aussi fait le choix de n'utiliser que très peu de musique, ce qui est très bon (on dirait qu'il est complètement impossible, de nos jours, de voir un film où nos émotions sont guidées uniquement par le film lui-même, et pas par la trame sonore qui joue sans pause d'un bout à l'autre).

La direction artistique était superbe, et les scènes avec beaucoup de figurants étaient toujours très bien dirigées. Deux scènes du film m'ont marquées: la première est la série de plans rapides où mademoiselle Junge traverse une salle du bunker, peu de temps avant que Hitler se suicide, et que tous les officiers assis aux tables sont en train de discuter de la meilleure manière de se tuer quand l'ennemi sera aux portes du bunker. La deuxième est une prenante scène où la femme de Goebbels tue un à un ses six enfants, pendant la nuit, en les empoisonnant. La scène, très lente, est montée de façon à ce que l'on ne manque pas une seconde de cette cruelle fin.

Finalement, c'est un des meilleurs films sur la deuxième Guerre Mondiale concernant les Allemands que j'aie vu. À noter que cette semaine (jeudi?) à ARTV sera diffusé le film Fürher Ex, sorti en salle à Montréal l'an passé, et se rapportant au Nazi. Je n'en sais pas beaucoup plus.

Sinon, j'ai été à La Longue Nuit du Court, lors du festival Montréal en Lumière, il y a trois semaines, et j'aimerais bien en parler sur mon blogue (j'y ai vu un gros paquet de films, dont ceux en nomination pour les courts-métrages aux Oscars), or je n'ai pas le temps en ce moment. Je promets donc de revenir là-dessus bientôt!

De quel film s'agit-il? [ Prise 13]

2005-02-20T21:27:00.000-05:00

Du temps où Depardieu ne jouait pas dans 354 048 productions par année...

De quel film s'agit-il? [ Prise 12 ]

2005-02-19T12:22:00.000-05:00

Pas trop difficile, quand même...

De quel film s'agit-il? [ Prise 11 ]

2005-02-13T15:57:00.000-05:00

Un très vieux classique que j'ai eu la chance de voir récemment...

De quel film s'agit-il? [ Prise 10 ]

2005-02-12T11:59:00.000-05:00

Elle avance vers la caméra, hypnotisée, passionnée...
Et pour la dernière fois elle la défie de son regard...
Criminelle! Oui, mais c'est sans importance, maintenant.

Ce qu'il reste de nous

2005-02-12T11:57:00.000-05:00

J'ai finalement été voir Ce qu'il reste de nous, le documentaire de Hugo Latulippe et François Prévost tourné en 2004 sur la situation des Tibétains résidant encore dans leur pays d'origine. Je ne sais trop que dire; j'en suis sortie complètement bouleversée.

Les deux hommes sont allés avec Kalsang Dolma, une Tibétaine née à Montréal (d'un père qui avait fuit le pays quelques années auparavant) retrouver son pays d'origine avec dans leurs valises un micro-ordinateur contenant un message de cinq minutes que le Dalaï-Lama adresse au peuple du Tibet. Bien sûr, cette entreprise était très risquée vue la répression exercée par le gouvernement et l'armée chinoise sur les Tibétains. Le trio a donc passé son voyage à aller de maison en maison montrer, en cachette, le message d'espoir et d'incitation à la résistance non-violente.

Le documentaire montre donc la réaction de ces gens, ainsi que les commentaires qu'ils ont à faire. C'est extrêmement touchant que de voir ces vieillards fondre en pleurs et communiquer leur espoir en la liberté, ou bien les plus jeunes de la ville, quasi complètement assimilés dans le mode de vie chinois, garder un silence troublé à la fin du vidéo.

C'est un film qui donne le goût de s'impliquer, de se renseigner. Et surtout, d'espérer, du plus profond de nous, la libération de ce peuple si moralement riche.

J'ai lu sur le imdb que jamais il ne sera fait de copies vidéo ou DVD de ce film, pour protéger les individus qui y prennent parole (si le gouvernement chinois les reconnaissait, cela mettrait leur vie en danger). Le film est présenté de façon permanente au cinéma Beaubien, où l'on y fouille les spectateurs afin qu'ils n'apportent pas dans la salle de caméras ou de cellulaires photographiques.

www.tibet.ca

*****

Dans un tout autre ordre d'idées: suis-je la seule à penser que Maman last call semble être un film sans aucun intérêt, pathétique?

De quel film s'agit-il? [ Prise 9 ]

2005-01-25T16:59:00.000-05:00

L'avant-dernier film d'un cinéaste dont on parle beaucoup de ces temps-ci.

Absurde cinématographique

2005-01-25T16:27:00.000-05:00

Hier j'ai visionné le court-métrage le plus brillant que j'aie vu jusqu'à maintenant! C'était Luc et Marie, de Philippe Boon et Laurent Brandenbourger, tourné en France en 1995. Il n'est pas étonnant que ce film ait gagné de multiples prix à différents festivals, et cela autour du monde!

Le court-métrage de 27 minutes pose des questions sur l'essence même du cinéma: que peut-on filmer? Peut-on réellement «filmer le réel»? Et la censure?
Tout cela de façon extrêmement absurde (entre autres une petite pointe lancée à Besson et une parodie de la scène d'ouverture de À bout de Souffle où, au moment où Jean-Paul Belmondo se tourne pour dire «va te faire foutre» à la caméra, sa voiture percute un cycliste, m'ont fait rire énormément) et bien cousu. Et le tout filmé en 35 mm!

L'affiche du film

Et son commentaire d'intro: Peut-on filmer le Réel ? Faut-il descendre dans la rue ? Et si oui,... Pourquoi faire ? Un nouveau regard sur le cinéma d'auteur subventionné. Une tentative inédite de concilier essai filmique et succès mondial. Un film profondément malhonnête.

*****

L'an 2005 sera plaisante pour les fans de Tim Burton, qui auront la chance de voir deux de ses films au grand écran: pour juillet est prévu Charlie and the Chocolate Factory, basé sur le roman éponyme de Roald Dahl. C'est Johnny Depp, l'acteur fétiche de Burton, qui tiendra le rôle du coloré Willy Wonka. Il y a rumeurs cependant qu'à la base le rôle avait été réservé à Marylin Manson, qui y tenait beaucoup, mais qu'un gros conflit d'horaire l'en a empêché.

Le deuxième film de Burton est prévu pour la fin de l'année et sera réalisé en animation 3D très semblable à celle de The Nightmare Before Christmas. Le film portera le nom de Corpse Bride et, encore une fois, Johnny Depp est de la partie, puisqu'il prête sa voix au personnage principal, un jeune homme qui, suite à un malentendu, doit choisir entre une fiancée humaine et une morte-vivante.

Les bandes-annonce des deux films sont disponibles sur IMDb.

De quel film s'agit-il? [ Prise 8 ]

2005-01-15T21:08:00.000-05:00

Un film avec de bien belles images, de bien beaux dialogues...

Naissance de la télévision et renaissance cinématographique

2005-01-10T20:27:00.000-05:00

L'arrivée de la télévision [de façon commerciale] se fait durant les années 50, quoi que la technologie existait depuis les années 20. Le téléviseur entre dans les foyers canadiens vers 1952, mais il existait aux É-U, à partir de 1939 déjà, des émissions grand public. Entre 45 et 51, le nombre de téléviseurs au foyer augmente de 10 000 à 10 millions (40 millions en 1960).

Influence sur le cinéma
Les studios doivent s'adapter, car la qualité et la quantité du public change. Le nombre de spectateurs diminue drastiquement, mais c'est un public plus jeune, plus scolarisé et plus urbain. Alors que la télévision s'adresse au plus bas dénominateur commun, le cinéma va changer pour s'adresser à des gens plus cultivés. Mais l'arrivée de la télé provoque-t-elle réellement une crise?
On peut dire que non, car elle donne mort à un cinéma sclérosé, vieux, et qu'elle libère le cinéma de certaines contraintes. Or, il y a une baisse du public, et donc des problèmes économiques graves pour l'industrie.

De plus, au début des années 50, les studios sont déjà en mauvaise posture: d'abord parce qu'il y a le procès américain anti-trust (qui s'attaque aux pratiques monopolistes des studios). Puis, parce qu'il y a le procès contre les supposés communistes hollywoodiens, la dénonciation forcée entre les gens du milieu cinématographique, le renvoi et l'exil de scénaristes et réalisateurs vers l'Europe (pensons à Chaplin). À cela s'ajoute une augmentation de la censure et l'instauration de barrières tarifaires aux films américains dans plusieurs pays.

En réaction, on se met à construire des ciné-parcs (l'automobile est répandue et très à la mode).
On créé la Motion Picture Export Association (MPEAA), lobby extrêmement puissant, qui travaille main dans la main avec la Maison Blanche. L'organisme fait la «promotion» du cinéma américain à l'extérieur (en fait elle fait du chantage, dans le genre «si tu ne laisses pas entrer nos films dans ton pays, alors nous n'achèterons plus ton bois»).

Prolifération de la «run-away production»: pour épargner les coûts de production, on va tourner les films en Europe. On récupère l'argent car les films sont nécessairements diffusés dans les pays de tournage.

[À suivre...]

De quel film s'agit-il? [ Prise 7 ]

2005-01-09T17:57:00.000-05:00

Un réalisateur connu pour sa tendance obscurantiste...

De quel film s'agit-il [ Prise 6 ]

2005-01-06T20:20:00.000-05:00

Nouvelle Vague, nouvelle vague...

L'amour du misérabilisme

2005-01-05T14:05:00.000-05:00

Attention: ce post a été écrit dans un état grave de post-mauvais-métrage.

J'ai finalement cédé: je suis allée voir Ma vie en cinémascope, hier. Je refusais de le voir jusqu'à maintenant parce que, de un, la vie d'Alys Robi, je m'en contrefous, de deux, je trouve que Filiatrault est d'un grossière méchanceté avec ses acteurs, et de trois --surtout-- que je déteste Pascale Bussières.

Et devinez quoi? Le film ne m'a pas fait me réconcilier avec Bussières. Ni changer d'avis sur la petite Filiatrault. Ni croire que la vie d'Alys Robi est d'un minimum d'intérêt.

Je ne vais même pas faire une critique complète, je n'en ai aucune envie. Ce film est comme une mauvaise expérience que l'on veut oublier. Même si on a payé le prix minimum, parce que c'étaient les spéciaux du mardi au cinoche.

Ce qui est le plus souligné dans la forme du film est son montage: on joue en sautant entre les époques, on fait des paralèlles, on montre des flashs rapides. Cela aurait pu être intéressant si Filiatrault était capable de faire un cinéma vivant, or elle fait du cinéma comme on le faisait à une autre époque, et par-dessus tout, elle fait du cinéma de madames. Ma vie en cinémascope est l'équivalent d'un petit article dans Chatelaîne, qui aurait pu s'appeler La vie d'Alys Robi, racontée par Denise et illustré par de belles photos de grano-Bussières, où l'on fait tout trop gros. Sensationalisme, quant tu nous tiens! D'un point de vue cinématographique, c'est tout à fait insipide. On y raconte de façon misérabiliste l'histoire d'une femme qu'on essaie de rendre intéressante, mais qui ne signifie plus rien à notre époque. Un film vain, qui aurait bien pu être réduit à un Moment de notre héritage de 3 minutes à coincer à Radio-Cadenas entre le bulletin de nouvelles et Virginie.

«Et le meilleur film de 2004 est...»

2005-01-01T01:54:00.000-05:00

Tout au long de l'année j'écoute des films: des navets, des oeuvres fantastiques, des films surprenants, des films troublants. Un certain nombre de ces oeuvres sont des films qui ont été réalisés cette année, en 2004. Et puisque cette année 2004 se termine dans moins d'une heure, je vous propose ici humblement ce qui a été mon coup de coeur pour l'année.

Donc, le prix Cinéluctablement du meilleur film de 2004 va à Vozvrashcheniye [Le Retour], de Andrei Zvyagintsev.

Le Retour, film russe, raconte l'histoire de deux garçons dont le père revient (de où? Pourquoi?) après 12 ans d'absence. Il les emmène en «vacances de pêche» sur un île éloignée dans le nord du pays, et là commence une histoire déstabilisante où le silence et les émotions prennent une proportion immense.

Le Retour est un film troublant, où l'on se pose beaucoup de questions, en tant que spectateur de ce drame familial (ou est-il en fait une métaphore?), et dans lequel on retrouve très très peu de réponses. Le film est ouvert aux interprétations: ce n'est pas le genre de film qui passe de A à B à C en tirant une morale claire, et l'ambiguïté est souvent au rendez-vous. Une chose est certaine: ce qu'on en tire à la fin est une réflexion extrêmement riche sur une myriade d'aspects de la vie.

Que dire de plus? Sinon que la photographie est extrêmement belle (tons bleutés, verts, qui me rappellent un peu Le Marais, de Kim Nguyen), retournant souvent au thème de l'eau (la féminité, dans l'univers très masculin que le film nous présente?). Que la musique créé un atmosphère à elle seule.

Je ne saurais que dire d'autre, puisque j'ai quand même vu le film il y a plusieurs mois; en fait je triche, car le film date de la mi-2003, mais c'est pas grave parce qu'il a mis du temps avant d'arriver ici. D'ailleurs ne cherchez pas dans vos horaires de cinémas: il n'a jamais passé au grand écran, à part aux FFM 2003. Il est aussi extrêmement difficile à trouver en vidéo: encore en automne, il n'avait pas trouvé de distributeur en Amérique. Je l'ai récemment vu annoncé dans un catalogue de La Boîte Noire, mais ignore si le DVD était de zone 1, ce qui est très problématique.

IMDb

Horripilant cinéma

2004-12-31T21:34:00.000-05:00

Je vous ai dit que hier j'ai vu le film au Starcité?
C'était la première fois que j'allais à ce cinéma.
Et c'était absolument horripilant. Épouvantable. Horrible. Abominable. Atroce. Terrible. Intolérable. Infâme. Odieux.

Ce complexe insulte de façon éhontée le cinéma, en réduisant les spectateurs à de vulgaires consommateurs, au milieu d'une nuée de néons, d'une odeur de beurre et de sucre, d'une symphonie de bruits discordants, d'un tas de cochonneries suspendues à un plafond qui rend jaloux le stade olympique, installé juste à côté.

Non, je ne veux plus remettre le pied à cet endroit. Il me rend malade.

D'ailleurs, vous saviez que 90% des recettes à la billeterie des cinémas vont directement au distributeur? Ce qui fait que le complexe en fait reçoit que 10% du prix que vous payez votre billet. Où s'enrichit-il, alors? En vendant 5$ un tas de grains de maïs qui ne vaut pas plus que 5cennes. De quoi vous faire cesser vos mauvaises habitudes...

Les brillantes aventures des orphelins Baudelaire, de Brad Silberling

2004-12-31T21:23:00.000-05:00

Hier j'ai vu Lemony's Snicket's A Series of Unfortunate Events (Les désastreuses aventures des orphelins Beaudelaire, d'après Lemony Snicket). Je m'attendais a quelque chose de bien, mais certainement pas à aussi bien que ça!

Je me suis renseignée avec le IMDb et j'ai constaté que Silberling a réalisé très peu de films (beaucoup de choses pour la télé, par contre) avant celui-ci, dont un seul ayant connu un certain succès: Casper (1995), très mauvais film, d'ailleurs, à mon souvenir. Mais Les désastreuses aventures...: alors là! C'est très réussi!

Les désastreuses aventures des orphelins Baudelaire raconte l'histoire de trois ingénieux enfants de famille riche qui perdent leurs parents et leur manoir lors d'un incendie fort curieux, et qui sont pris en charge par un très étrange Conte Olaf, un parent très très éloigné. Or, celui-ci n'a visiblement d'intérêt que pour le très gros héritage légué aux mômes. Là commence une aventure des plus mystérieuses...

Les désastreuses aventures des orphelins Baudelaire est un film familial comme on en fait très très rarement en Amérique. C'est un film noir, où l'ironie est parfois soulignée par une pointe de sadisme: quelque chose de très peu conventionnel. En ce sens, je crois pouvoir dire que Brad Silberling a fait ici un film d'auteur pour grand public. D'ailleurs, le film me rappelle énormément les films de Tim Burton, réalisateur connu justement pour avoir fait des films ayant très bien réussi malgré leur ton extrêmement personnel. Au fait, il y a une indéniable resemblance entre Les désastreuses aventures... et Beetlejuice (de Burton) . Pas du plagiat, non, certainement pas, mais une inspiration, c'est sûr: les deux films ne sont pas semblables pour leur fond: Les désastreuses aventures... est un mélange de mystère et d'aventure, et par-dessus tout un film pour enfants, avec une morale -- pas lourde et soulignée, mais quand même présente (traitée très intelligemment, d'ailleurs) -- élément tout à fait absent dans Beetlejuice.

En parlant du traitement de la morale: elle est passée à travers le narrateur, qui est en fait un acteur qui joue Lemony Snicket, racontant son livre à mesure qu'il le rédige à la dactylo. L'idée sert très bien le film, le rendant plus riche en sarcasme et en surprises.

Mais ce qui est le plus frappant, et le plus réussi, est la direction artistique: elle est tout à fait fabuleuse. Les costumes sont à se jetter à terre! Et que dire des décors? Je vais me renseigner pour savoir quelle proportion a été faite en images de synthèse, car j'ai l'impression qu'une bonne partie (en tout cas pour le manoir d'Olaf) a été véritablement bâtie pour le tournage: en tout cas, ils sont splendides. De plus, le film commence et se termine (le générique) avec deux petits court-métrages d'animation. Le premier, racontant «la très joyeuse histoire du petit farfadet -- ce que vous n'êtes pas venus voir», comme le dit le narrateur, est une blague, tandis que le second sert de fond au générique final et est extrêmement joli. Une très bonne façon de retenir les non-cinéphiles jusqu'à la fin du déroulement du générique...

La performance des acteurs? Les deux enfants ont bien été choisis et leur jeu est sans faille, tandis que le bébé prend une place moindrement importante (ce qui m'a fait beaucoup plaisir puisque j'ai tendance à détester les films où les bébés ont un "rôle": à ce stade, c'est la même chose que de "faire jouer" un chien). Le casting est bien.

Mais oui, je sais, je sais. Vous vous en foutez du «casting en général». Tout ce que vous voulez savoir, c'est Jim Carrey, lui, s'il offre une performance intéressante, ou si vous êtes aussi bien partis de vous tenir loin du film, comme vous le faites avec ses films depuis votre indigestion de The Cable Guy. Et bien sachez que Jim Carrey est très bon dans ce rôle du conte Olaf, ce parent éloigné, acteur excentrique et malveillant. Ses mimiques habituelles sont ici utilisées intelligemment et de façon modérée, et le personnage lui colle très bien à la peau. J'ai franchement été agréablement surprise, quoi que Carrey avait offert ce que à ce jour je considérais la meilleure performance de sa carrière l'an passé avec Eternal Sunshine of the Spotless Mind. Maintenant les rôles qu'il tient dans ces deux films se disputent ce titre. Peut-être remonte-t-il la pente de la médiocrité qu'il a déboulée tout au cours de sa carrière (quoi que dès le début, je ne lui ai pas connu de bon film)? Il a toujours paru à mes yeux comme étant un acteur avec énormément de potentiel, mais qui utilisait mal son talent. Peut-être est-ce le temps qui l'assagit?

Finalement, Les désastreuses aventures des orphelins Beaudelaire est un film à voir, selon moi. Je crois même que cela vaut la peine de le voir au cinéma (certains super beaux effets visuels tirent définitivement bénifice du grand écran). Et puis si vous avez des mômes, ou gardez des enfants qui ne sont pas les vôtres, emmenez-les donc: ça les changera de Walt Disney...

Hello darkness my old friend...

2004-12-30T00:38:00.000-05:00

Des fois... des fois je sais pas quoi penser.
Hier j'étais avec mon copain en attendant le dernier train, et il me racontait comment il avait hâte d'avoir «ses nouveaux yeux», grâce à une opération. C'est un génie de la photo et du cinéma, complètement autodidacte, et qui fait un travail superbe. Le problème c'est qu'il est pratiquement aveugle.

Peut-être est-ce que l'objectif devient notre oeil, lorsque notre vue ne capte plus notre univers. Peut-être que pour lui, un paysage, un visage, une couleur sur une photographie est véritable, alors que la même réalité, en ses vastes proportions, ne veut rien dire qu'un amas de flou et de formes vagues.

Ça m'attriste vraiment de le voir comme ça. Surtout que l'opération peut ne pas réussir, et qu'alors il deviendrait complètement aveugle. Je me demande si ça peut vivre, un photographe, sans lumière.

Ça fait une vie sous-exposée, un film où le posemètre nous a gouré.
C'est affreusement noir.

Projection de mon court-métrage

2004-12-29T19:30:00.000-05:00

Je m'aperçois que je n'ai pas du tout reparlé de mon court-métrage, depuis le message du 11 décembre où je disais que j'avais passé la journée à faire du montage.

Alors voilà, moi et la co-réalisatrice avons travaillé toute la fin de semaine sur le film, et avons réussi à en faire quelque chose de pas mal cool. Lorsque nous nous sommes projetté le résultat final, il y avait quelque chose de magique dans l'air. Je regardais en riant l'amie qui nous avait servi d'actrice performer à l'écran des gestes qui maintenant constituaient une histoire, alors que cela n'était auparavant que de ridicules actions filmées en ordre pêle-mêle, selon la pièce et les éclairages nécessaires. L'histoire tenait entièrement debout, sauf pour la scène finale qui était censée se passer le matin et où le ciel était resorti noir sur la pellicule. Nous avons croisé nos doigts pour que les spectateurs comprennent quand même.

La soirée de projection s'est très bien passée. J'étais pas mal nerveuse et la co-réalisatrice encore plus, ce qui ne m'aidait pas. J'avais envie de me cacher dans un coin, toute seule, mais je suis restée avec mes copains (bon, j'ai quand même mis mon capuchon et je me suis faite toute petite dans mon siège lorsque les projections ont débuté). Il y avait une bonne vingtaine de court-métrages projetés: des très bons, des moins bons, certains absurdes, certains quasi-professionnels. Cela était vraiment merveilleux, puisque c'est très intéressant de voir quel genre de films font les gens que l'on connaît: l'art, c'est quelque chose de très personnel, et en regardant le film d'un ami ou d'une connaissance, on saisi une partie importante d'eux-mêmes. Lorsque c'eu été la fin de mon court-métrage, la réaction du public a été cool, alors j'étais pas mal contente. J'ai par la suite eu beaucoup de bons commentaires, ce qui est encourageant.

Je suis donc assez contente de mon expérience avec la Super8, finalement.
Et vive le cinéma en noir et blanc!

De quel film s'agit-il? [ Prise 5 ]

2004-12-29T14:29:00.000-05:00

Un bien bon film américain de 1967, très souvent cité, parodié...
Et une chanson très connue, aussi!

And in the naked light I saw
Ten thousand people, maybe more.
People talking without speaking,
People hearing without listening,
People writing songs that voices never share
And no one dare
Disturb the sound of silence.

Article de J.M. Pacatus

2004-12-28T01:25:00.000-05:00

Article sur les films Lumière présentés à la Foire de Nijni-Novgorod, signé J.M. Pacatus et paru dans le quotidien Nijegorodskilistok, le 4 juillet 1896.

Hier soir, j'étais au Royaume des Ombres.
Si seulement vous pouviez vous représenter l'étrangeteé de ce monde. Un monde sans couleur, sans son. Tout ici -- la terre, l'eau, l'air, les arbres, les gens -- tout est fait d'un gris monotone. Des rayons de soleil gris dans un ciel gris, des yeux gris dans un visage gris, des feuilles d'arbres qui sont grises comme la cendre. Pas la vie, mais l'ombre de la vie. Pas le mouvement de la vie mais une sorte de spectre muet.

Il faut ici que j'essaie de m'expliquer avant que le lecteur me crois devenu fou ou trop complaisant envers le symbolisme. J'étais hier chez Aumont et j'ai vu le cinématographe Lumière, les photographies animées. Ce spectacle crée une impression si complexe que je doute de pouvoir en décrire toutes les nuances.
[...]

Ce texte me plaît beaucoup, parce qu'il laisse transparaître à la fois l'émerveillement et le doute de l'auteur devant les tous premiers pas du cinéma; le regard qu'il jette sur cet art qui ne s'est pas encore défini. Ce «Royaume des Ombres» est une métaphore extrêmement intéressante pour illustrer le phénomène de la projection dans la salle sombre, et qui sera d'ailleurs repris -- de façon beaucoup plus intense et complexe -- par des théoriciens comme Bazin.

Probablement aussi parce que c'est le premier texte qu'on nous a fait lire quand j'ai commencé mes études en cinéma. C'était le texte de tête du recueil de mon enseignant préféré, et, je peux le dire sans hésitation, de mon mentor, car cet homme a vraiment bouleversé ma façon de voir le cinéma, et sûrement ma vie en général aussi. Je n'avais jamais expérimenté de cours aussi intense que celui-là (moi qui d'ailleurs aimais si peu l'école), et n'ai jamais connu de personne aussi passionnée que cet homme-là. Grâce à lui j'ai développé une fascination sans borne pour le septième art, et je ne pourrai jamais assez le remercier pour tout ce qu'il m'a appris. Quand je suis rentrée dans ce domaine d'études, je croyais que je finirais sur un plateau: maintenant mes projets ont complètement changé et je compte aller vers les études cinématographiques [théoriques]. Je n'ai jamais autant regretté que lors de son dernier cours, au terme de 15 semaines passionantes; ou alors le fait de ne pas l'avoir remercié sincèrement lors de notre dernière rencontre, à un party de fin de session, dans un bar où l'alcool m'a fait sombrer dans des pacotilles. Ah, Monsieur C., quel homme!

Je voudrais encore lui dire à quel point il m'a changée. Alors je peux toujours remercier, comme ça, dans un blogue discret. Dans le vide.
Merci.

De quel film s'agit-il? [ Prise 4 ]

2004-12-27T23:38:00.000-05:00

Un film plus récent, mais pas moins intéressant!

Bonne chance!

Western Spaghetti

2004-12-27T17:19:00.000-05:00

C'era una volta il West (Il était une fois dans l'Ouest), de Sergio Leone, avec la fantastique musique d'Ennio Morricone. C'était le premier film dans lequel Henry Fonda jouait un méchant et à ce qu'il paraisse, ça avait complètement choqué les foules, qui jettaient des choses à l'écran lorsque son personnage apparaissait, dans certaines salles de projection.

Les films de Leone sont probablement les premiers et les seuls films réellement potables que j'aie vus dans ma jeunesse. Chez nous, le cinéma c'était cette chose qu'on fait lorsqu'on a rien d'autre à faire et que la soirée s'annonce très plate. Alors là, on allait louer un navet au Blockbuster ou en voir un au cinoche (quoique j'avoue que pendant longtemps, je ne suis allée au ciné qu'environ une fois par année). Je n'aimais pas le cinéma, aucun film ne m'avait jamais réellement impressionnée.

Mais aussi loin que je me rappelle, il y a toujours eu Leone en contrepoids à ça. C'est que mon père était un fan de lui: il avait vu tous ses films plusieurs fois et les connaissait par coeur. Et puis il avait tous les disques (je dis pas CD, mais bien disques), qu'il faisait jouer religieusement. Quand un Leone passait à la télé, je venais m'asseoir avec mon père et nous l'écoutions (quand ma mère n'arrivait pas en arrière en gueulant «Jean-Pierre! C'est trop violent pour la p'tite!!!»). J'étais énormément impressionnée, même si je ne comprenais probablement pas toute l'histoire. D'ailleurs, pour moi par la suite, un western ne pouvait être autre chose que Clint Eastwood, avec de la musique jouée à l'harmonica (j'ai toujours souhaité jouer du ruine-babine pour ça).

Tout ça pour en venir au fait que pour Noël, j'ai offert à mon père les DVDs de Il était une fois dans l'Ouest et de Le bon, la brute et le truand. Dès que j'ai vu qu'il les avait mis sur sa liste de cadeaux, j'ai couru les acheter, puisque pour moi lui les donner c'était un remerciement, finalement, pour ce qu'il avait fait pour moi, sans le savoir, en m'initiant à un tel cinéma. Merci papa, même si je te l'ai jamais dit!

Le lendemain du reveillon, soit le 25, nous avons écouté en famille Il était une fois dans l'Ouest. Je me suis aperçu que finalement je n'avais jamais vu ce film, mais que mon père me l'avait tellement conté lorsque j'étais petite que j'étais certaine de le connaître, comme un film qu'on voit et revoit depuis notre enfance.

Une chose est sûre, et c'est que Leone est un vrai génie! Sa façon de remplir l'écran, ses mouvements de caméra, sa direction artistique, ses raccords... Ouah!

À en couper le souffle!

De quel film s'agit-il? [Prise 3]

2004-12-22T21:51:00.000-05:00

Wow! Quelle mise en scène!...
Alors, on reconnaît le film?

De quel film s'agit-il? [Prise 2]

2004-12-22T17:16:00.000-05:00

Une franchement très très facile!

Les assassins sont parmi nous...

2004-12-22T17:15:00.000-05:00

Les assassins sont parmi nous: c'est le titre de tournage de M le Maudit, chef-d'oeuvre de Fritz Lang qu'il réalisa en 1931. Et puis c'est aussi la réponse à mon message précédent ("devinez de quel film il s'agit"), auquel un brillant individu anonyme a trouvé la réponse (mais qui es-tu?).

M le maudit raconte l'histoire d'un meurtrier en série qui s'attaque aux petites filles d'une ville allemande (on sous-entend qu'il les agresse avant de les tuer). Les autorités annoncent une récompense à qui le ramenera au poste de police, mais cela ne fonctionne pas, et le meurtrier terrorise toujours la population. En conséquence, une association mafieuse qui oeuvre dans la ville décide de remonter sa cote auprès de la population (et se faire 'amis' des policiers) en trouvant et jugeant elle-même l'assassin. La police de son côté engage les clochards, des gens jugés insoupsonnables , pour trouver l'homme recherché. Le criminel est finalement retrouvé par les clochards et par l'organisation mafieuse à la fois, qui chacun le prennent en chasse. Pour ne pas le perdre de vue, un clochard inscrit un grand M à la craie dans sa main et accroche le criminel dans le dos afin que la lettre se recopie sur son veston (d'où l'image plus bas, quand M s'aperçoit de la manigance). M se sauve et après une longue poursuite il est coincé dans une usine désaffectée pour un jugement organisé par les mafieux et les gens de la ville, simple passants ou parents des victimes. On le juge, on le condamne à mort, M se défend, il parle de pathologie, on rétorque qu'il n'y a rien à faire, il demande un vrai tribunal, on lui répond par la négative. Le film se termine alors quand M, horrifié, panniqué, est pris en charge par la Loi, alors qu'un policier pose une main sur son épaule. «La justice ne se fait pas par elle-même», signe alors Lang.

M est un film extraordinaire. Il est considéré le dernier film expressionniste, mais son expressionnisme se retrouve surtout au niveau du son, de la déformation de celui-ci et de sa transformation en parallèle avec l'image (une des premières scènes montre une mère qui appelle sa fille par la fenêtre, sans obtenir de réponse; les plans qui suivent montrent le ballon perdu que portait la fillette, probablement à l'autre bout de la ville où l'on entend encore le cri de la mère comme si elle y était). De plus, pour plus de la moitié du film, on ne voit jamais le meurtrier de face: on ne voit que son ombre (bien typique au cinéma expressionniste, et qui deviendra bientôt la marque de commerce du film noir), ou bien son dos, au mieux, silhouette impersonelle d'un homme au long manteau et au chapeau mou. S'il est retrouvé par ses poursuivants, c'est parce qu'il siffle toujours un même air. Ainsi il y a beaucoup de jeux dans l'image: réflexions à travers les vitrines, des miroirs, personnages dont on cache le visage en les parsemants un peu partout dans le cadre, à différentes profondeurs.

Par ailleurs, c'est un film qui dénonce le fascisme. D'où l'importance du titre de tournage. Lang critique, surtout lors de la scène du tribunal improvisé, le régime de paranoïa instauré par les fascistes, qui demandent aux gens de surveiller leurs voisins, leurs proches, et de les dénoncer au premier soupçon.

Vraiment un très bon film, à voir absolument! Je considére personnellement qu'il est le meilleur de Lang (je le préfère à Métropolis).

IMDb

De quel film s'agit-il?

2004-12-19T14:42:00.000-05:00

Ah! Quel film formidable!
Le connaissez-vous?

Premier montage analogique

2004-12-11T20:30:00.000-05:00

J'ai reçu mes pellicules développées cette semaine et aujourd'hui j'ai commencé le montage. C'était la première fois que je montais en analogique et je trouve ça intéressant, quoi que ça ne me plaise pas plus que ça. Ça nécessite beaucoup de dexterité - quelque chose que je n'ai malheureusement pas!- puisque la pellicule est très petite (comme je l'écrivais sur le blogue au moment du tournage, c'est de la SUPER 8, ce qui veut dire que l'image a 8mm de long sur la pellicule). Je termine le montage demain, pour une projection qui aura lieu mardi soir. J'espère que tout ira bien et que le film sera terminé un jour!

Les symphonies de l'horreur

2004-11-29T21:30:00.000-05:00

Je lis présentement L'écran Démoniaque de Lotte. H. Eisner, essai sur le cinéma allemand de l'époque classique écrit en1965. Je trouve cela fort intéressant, quoi que je ne sois pas d'accord avec certaines théories de l'auteur, qui a tendance à généraliser sur un «esprit allemand» très pointu. Je vous cite ici quelques extraits que j'ai trouvé particulièrement songés:

Le dédoublement démoniaque apparaît dans bien des films allemands: Caligari est à la fois le médecin-chef éminent et charlatan forain. Nosferatu le vampire, maître d'un château féodal, veut acheter une maison à un agent d'immmeubles, imbu de diabolisme, lui aussi. Et le personnage de la Mort dans Les trois lumières [de Fritz Lang] est en même temps un simple voyageur à la recherche d'un terrain à vendre. Il semble que pour l'Allemand le côté démoniaque d'un individu comporte forcément toujours un contrepoint bourgeois.

À propos des escaliers dans le cinéma expressionniste:

Mais ne pourrait-on néanmoins admettre que les escaliers figurent pour le psychisme des Allemands que fascine le «Werden» (le «Devenir») plutôt que le «Sein» (l'«Être») une ascension et que les marches en représentent les degrés? Et n'est-il pas permis si l'on considère le respect de la symétrie si frappant chez l'Allemand de penser par rapprochement que la symétrie d'un escalier prend pour lui figure d'équilibre, d'harmonie?

Finalement, le livre cite Heine de façon bien intéressante en début de chapitre:

Laissez à nous autres Allemands les horreurs du délire, les rêves de la fièvre et le royaume des fantômes. L'Allemangne est un pays qui convient aux vieilles sorcières, aux peaux d'ours morts, aux golems de tout sexe et surtout aux feldmaréchaux comme le petit Cornélius Nepos qui est de naissance une racine que les Français appellent Mandragore. Ce n,est que de l'autre côté du Rhin que de tels spectres peuvent réussir; la France ne sera jamais un pays pour eux...

Tournage

2004-11-29T20:08:00.000-05:00

Samedi je devais tourner un court-métrage. Cela a été la pire journée de ma vie, je crois.

-La co-réalisatrice a pas vérifié les circuits électriques des lieux de tournage, comme prévu, lors de mon arrivée.
-Les comédiens ne veulent soudainement plus venir. Ils acceptent finalement quelques heures plus tard mais sont ultra-bête et vulgaires.
-Le posemètre (qui calcule l'ouverture de la caméra d'après l'intensité de la lumière ambiante), super important pour le tournage sur pellicule, est défectueux.
-Il y a une chicane de plateau incroyable à propos, entre autres, d'une petite remarque inoffensive.

Voilà, en hyper-résumé, ma très heureuse journée de samedi.

N.B.: Finalement j'ai tourné un autre scénario, avec une autre co-réalisatrice, ailleurs, et les pellicules ont été envoyées au développement aujourd'hui.

L'ancêtre du vidéoclip?

2004-11-23T15:51:00.000-05:00

Je suis allée samedi au Salon du livre de Montréal et j'ai pu baver sur la collection de bouquins concernant le cinéma édités par Larousse. Ces livres sont d'un intérêt grandiose et sont toujours un charme à lire (j'en possède un moi-même, Le cinéma français à travers 100 succès), mais ils sont tout à fait inabordables (près de 100$ le livre, parfois plus). Ah! si j'étais riche...!

Sinon, par rapport à mes lectures: je lis en ce moment un ouvrage intitulé Au pays des ennemis du cinéma (d'où provient la citation de journal apparaissant dans mon entrée précédente). Ne me demandez pas pourquoi, mais en le sortant de l'étagère de la bibliothèque je croyais avoir à faire avec un livre traitant d'Hollywood; en fait l'ouvrage traite du cinéma des premiers temps au Québec. Le titre est expliqué par un article d'un journaliste de la Russie pré-révolutionnaire qu'on cite:

«Le pays des ennemis du cinéma- Un tel pays existe, non pas dans l'imaginaire, mais bel et bien dans la réalité présente... il s'agit du Québec. [...] les habitants du Québec partent en guerre contre les théâtres et les cinémas qu'ils souhaitent voir disparaître de la surface de la terre québécoise. [...]»

L'article parle en fait des lois concernant la fermeture des théâtres et salles de projection le dimanche, jour du Seigneur, et autres lois concernant la défense d'établir un de ces bâtiments à une certaine distance des écoles et églises.
Mais voilà, j'ai trouvé un paragraphe assez intéressant, intitulé Où l'on voit que le scopitone n'est pas le plus vieil ancêtre du vidéoclip et qui va comme suit:

«Ces petits films parlants (ou plutôt «chantants») d'environ trois minutes présentaient des extraits d'opéra et des chansons populaires. Les plus populaires artistes de l'époque venaient se faire immortaliser dans ces «films chantants», sorte de «cinéclip» avant la lettre qui, chez Gaumont (où on les appelait des «phonoscènes»), furent en grande partie réalisé par Alice Guy.»

C'est assez curieux, n'est-ce pas?

Ainsi je termine en mentionnant deux vidéoclips sur lesquels il est facile de tomber présentemment, si l'on veut bien ouvrir son poste au canal MusiquePlus ou MuchMusic (je n'encourage pas, non, puisque je déteste ces deux postes et je les fuis comme la peste si jamais je tombe dessus, normalement) puisqu'ils semblent très en vogue en ce moment. Il s'agit de Amerika de Rammstein et de Watcha waiting for? de Gwen Stefani. Sans juger de la qualité de la musique (quoique personnellement Rammstein soit mon groupe préféré), on peut certainement dire que dans les deux cas la mise en scène et la photographie sont très réussies, et que le traitement des thèmes est très intéressant.

L'homme artificiel

2004-11-23T15:50:00.000-05:00

«Je suis Jaloux!
C'est un péché, je le sais. Mais je sais aussi que «péché avoué est à moitié pardonné», et j'ose l'aveu. Il est vrai qu'un autre aphorisme prétend que c'est le «péché caché» qui bénéficie des prérogatives du pardon; mais je ne veux rien cacher.
Je suis jaloux! je ne m'en vante pas: je le déclare.
De qui suis-je jaloux?
Je suis jaloux d'Edison!
Il fait des tas d'inventions, qui seront peut-être réalisées un jour, c'est vrai, mais il invente trop et ça m'offusque, moi qui n'invente rien.
Le monde de samedi dernier publiait encore trois dessins relatifs à une invention nouvelle de l'encombrant électien [sic], et je commence à en avoir par-dessus les cheveux de cet inventeur opiniâtre, en quête du factice à outrance. Si on le laissait faire, la mort serait supprimée bientôt. Ce qui serait une catastrophe pour les débiteurs insolvables!

Poour ma part, je ne ferai jamais de réclame à ces inventions diaboliques qui substituent à la distance, à la vision, à la sécrétion, à la vue, à l,amour, à tous les sons enfin à tous les sentiments, une petite boîte mystérieuse, une boîte de Pandore qui ne conserve même pas dans le fond l'espérance que toutes ces jongleries auront une fin, bien au contraire!»

Jean Badreux, Le Monde, Montréal, 24 avril 1895

Du musst Caligari werden!

2004-10-17T18:15:00.000-04:00

Blanc et noir, lumières et ténèbres, ordre et délire. Caligari + expressionnisme = Caligarisme. Car il est vrai qu’on ne peut aller plus loin dans l’expressionnisme qu’avec Le cabinet du docteur Caligari, que de faire un film expressionniste plus stylisé aurait été de faire un film carrément abstrait.

Hier, j’ai écouté pour la deuxième fois Le Cabinet du docteur Caligari, de Robert Wiene. Je l’avais écouté pour la première fois il n’y a pas un mois, pour un travail scolaire (que j’afficherai probablement sur le blogue, une fois ma correction reçue), et j’en avais eu mal aux yeux pour le reste de la soirée : j’avais oublié de cligner, pendant 72 minutes. Ma deuxième expérience avec le film a été semblable, quoi que je prenais un certain recul, question de faire plus attention à quelques détails du si riche décor qui m’avaient échappé lors de la première visualisation.

Das Cabinet des Doktor Caligari, premier long métrage du cinéma expressionniste allemand (seul courant artistique cinématographique n’appartenant pas exclusivement à cette forme d’art), réalisé en 1919 par Robert Wiene est une histoire dans une histoire. Le film commence avec un jeune homme qui dit à un vieillard qu’il a vécu d’étranges évènements ; il se met à les conter et on entre dans une narration linéaire, comme un flashback. Le jeune homme raconte qu’un mystérieux docteur Caligari était apparu à la foire du village pour présenter César, un somnambule, et que pendant son séjour plusieurs meurtres étranges s’étaient produits, dont celui de son meilleur ami, ainsi qu’une tentative de meurtre à l’égard de sa fiancée. On mène l’enquête et on s’aperçoit que le docteur Caligari est en fait le directeur d’une asile et qu’il est le cerveau derrière ces crimes. Or, à la fin du récit, on retrouve le jeune homme qui raconte son histoire au vieillard, mais il est entre les murs de l’asile, et la dernière scène nous montre le docteur Caligari, véritablement directeur de l’asile, qui passe la chemise de fou au narrateur afin de le soigner. Toute cette histoire était donc le délire d’un fou.
Or, dans la première version du scénario, les séquences où le jeunes homme raconte son histoire n’existaient pas; Wiene a probablement cru nécessaire de les rajouter pour ne pas trop déstabiliser les spectateurs de l’époque, habitués à un certain réalisme.

Le cabinet du docteur Caligari est un chef-d’œuvre, et je trouve extrêmement dommage que ce genre de film, primordial à la culture cinématographique et peut-être même générale, ne se trouve que dans des endroits hyper spécialisés comme La boîte noire et qu’aucune chaîne télévisée ne daigne les diffuser (quoi que j’apercevais la semaine dernière et cette semaine des films de S. M. Eisenstein programmés à un poste câblé – que je ne capte pas d’ailleurs avec mon câble de base). Voilà le genre de film que tout le monde devrait avoir vu et qu’en vérité même pas le centième de la population a visionné, malheureusement. N’est-ce pas triste, à l’heure où l’on consomme sur grand écran des The Girl next Door, The Forgotten ou autres hyper-navets du genre!?! Vraiment, notre système de cinéma est réellement sens dessus dessous.

NB : C’est pour cela que je m’engage à faire une copie du film à tous ceux parmi mes amis (ce qui inclut aussi les e-amis que je vois de temps en temps –vous vous reconnaissez) qui suite à ce message voudraient le regarder.

L'inventeur, ce pauvre fou

2004-09-25T21:19:00.000-04:00

Film: Der Erfinder (1980, Kurt Gloor)

Il y a en ce moment à la Cinémathèque québécoise un hommage à Bruno Ganz, comédien allemand célèbre ayant joué, entre autres, dans des films de Win Wenders et Théo Angelopoulos. Ainsi j'y ai vu, jeudi soir, L'inventeur (Der Erfinder), comédie dramatique ou drame comédique, c'est comme on veut. Le film raconte comment, dans un petit village suisse pendant la Première Guerre mondiale, un excentrique a l'idée d'un véhicule pouvant rouler sur toutes les routes, peu importe leur état, et qui pourrait être utilisé par les fermiers. Il s'isolera de la communauté et entraînera sa famille dans des difficultés financières...Avant de découvrir que son invention existe déjà, et qu'elle est utilisée par l'armée: c'est le char d'assaut.

J'ai trouvé le film amusant: le jeu des comédiens était bon, la photographie était excellente et l'histoire était bien montée. À la fin, lorsque l'inventeur est placé dans un asile à cause des manigances des gens du village (l'un voulait sa femme, l'autre le croyait socialiste, etc.), et que son fils demande «Alors là, papa il est vraiment devenu un inventeur?» puis qu'on voit le visage vide de Ganz, on comprend l'ironie du sort du pauvre homme, qui avait tout fait au début pour ne pas être dans l'armée et qui maintenant recevait d'elle le plus gros coup de sa vie.



IMDB

La danse des patates

2004-09-18T22:57:00.000-04:00

Hier j'ai regardé pour la première fois The Gold Rush (La ruée vers l'or), de Chaplin (1925). Bien que ce ne soit pas le meilleur film que j'aie vu de lui, j'ai quand même trouvé cela très amusant -- surtout la scène très connue (et d'ailleurs reprise par de dizaines d'autres réalisateurs/acteurs par la suite) où il pique deux fourchettes dans des patates (ou des petits pains?) et fait une danse en les utilisants comme des pieds (voilà, ça vous rappelle le grand-père, dans les Simpsons, non?). Hilarant!

Mais il y a de quoi de vraiment brillant derrière ce films aux allures simples, comme dans tous les films de Chaplin. C'est une critique du americain way of life, le Rêve américain en plein essor à cette époque, ce «si tu veux, tu peux» qui pousse à travailler toujours plus fort pour "réussir sa vie" (comprendre: se payer une voiture, une machine à laver, ou je ne sais trop). Chaplin dans ce film (comme Buster Keaton, dans entre autres Sherlock Jr) présente l'idée du hasard plutôt que du travail: le protagoniste (ici, 'le prospecteur solitaire') ne réussit pas à trouver l'or qu'il cherche, mais par un concours de circonstances (il devient l'ami d'un homme qui, lui, en a trouvé, mais qui a perdu la mémoire et qui lui demande de l'aider à le retrouver en échange de la moitié du butin pour le service rendu) il y a réussite matérielle (à la fin du film il est millionaire) et peut-être amoureuse (il rencontre par hasard la femme qu'il aimait, sur un bateau à la fin du film).



IMDb

PS: Il y a une scène où Charlot croit que Big Jim a mangé le chien qui me rappelle fortement le dessin animé japonais Excel Saga.

Griffith, ou l'historicité versus le racisme

2004-09-18T18:19:00.000-04:00

D.W. Griffith a, en 1915, réalisé le premier long métrage de l'histoire du cinéma. Son film de quasiment trois heures, Birth of a Nation, a couté 100 000$ ce qui était une somme faramineuse pour l'époque. Cependant, il a pu récolter 15 milliards de dollars avec les coûts d'entrée (2$ pour un billet: les gens trouvaient ça très cher alors qu'ils étaient habitués aux "Nickelodeons", ces cinémas à 5 cents).

Mais Birth of a Nation n'a pas marqué l'histoire que pour les chiffres, ni pour le fait qu'il fut le premier long métrage. Birth of a Nation est, malgré tout ce qu'on lui doit, considéré comme un des films les plus racistes de l'histoire du cinéma. Griffith, issu d'une famille Sudiste, fait l'éloge du Ku-Klux-Klan dans ce récit racontant un après Guerre de Sécession où tout est à l'envers aux États-Unis à cause de l'incurie des Noirs (" the negroes" comme disent les intertitres) qui ont maintenant accès à des postes importants. Le cinéaste montre ceux-ci agissant comme de vraies bêtes enragées, violentes, vulgaire, idiotes. Mais "une chance" qu'il y a le KKK pour remettre tout dans l'ordre. Ajoutons que les noirs sont joués par des blancs maquillés en noir et que le film se termine avec une image de Jésus au dessus d'une foule.

Que penser de cela? Un des films les plus importants de l'histoire du cinéma offre un point de vue tellement attardé et extrême (mais miroir, quand même, du point de vue de milliers d'Américains de l'époque)... Je crois que cela témoigne bien d'un des pouvoirs du cinéma, celui de la propagande. D'ailleurs plusieurs réalisateurs soviétiques importants (comme Sergei M. Eisenstein, si je ne m'abuse) diront par la suite avoir été grandement influencés par ce film de Griffith.

 

IMDb

Griffith a par la suite réalisé Broken Blossoms (1919), un très beau et très tragique film où une jeune fille, battue par son père, trouve refuge chez un Chinois ("the Chink", traduisible par "le chinetock", encore une touche de racisme) qui éventuellement tombe amoureux d'elle. Le film est très connu pour cette scène où le père, ayant retrouvé sa fille (Lucy), la rapporte chez lui et se prépare à la fouetter. Lucy s'embarre dans un garde-robe, prise de panique, pendant que son père en défonce la porte à coup de hache. La scène, relativement longue, est totalement horrifiante et le jeu de l'actrice (Lillian Gish) est absolument incroyable dans son intensité. J'en ai encore des frissons dans le dos à y penser! Finalement, le père bat la jeune fille si fort qu'elle en meurt, et le Chinois, pris de désespoir et d'une colère intense, tue le père.





IMDb

Stifling shadow of the vampire

2004-09-18T16:32:00.000-04:00

Film: Nosferatu, eine symphonie des Grauens (1922, F.W. Murnau)

J'avais vu, un jour, L'ombre du vampire (Shadow of the Vampire) avec John Malkovich et avais énormément apprécié le film, qui raconte le tournage du Nosferatu de 1922. C'est pour cela que quand j'ai eu la chance de voir Nosferatu je n'ai pas hésité deux secondes, surtout que puisque c'est un film muet et N&B, il se fait extrêmement rare.

J'ai adoré! Rarement un film d'épouvante m'aura semblé si brillant! Je suis toujours émerveillée devant le jeu des acteurs de cinéma muet, si théâtral et exagéré, et ici en plus il y avait le jeu extraordinaire de Max Schreck (comte Orlock), dont on dit être une des performances les plus terrifiantes de l'histoire du cinéma. Je ne pouvais contenir mon euphorie lors de la scène par la suite si souvent reprise par des réalisateurs, celle où le comte monte les escalier vers la chambre de Nina (Ellen, dans certaines versions) et qu'on ne voit que son ombre, tordue, sur le mur, puis celle de sa main sur la porte et enfin sur le coeur de la jeune femme terrifiée.

Je crois pouvoir dire que Nosferatu est le film muet que j'aie le plus aimé, jusqu'à maintenant. "Le" chef-d'oeuvre de l'expressionisme allemand!



IMDB

Septième art, ode au rêve

2004-09-18T15:46:00.000-04:00

1895: les frères Lumière inventent le cinématographe.
1995: soit un siècle après. J'écoute un navet du genre Jurassic Park II dans mon salon.

Ce n'est qu'assez tardivement que je me suis aperçu que le cinéma était plus que ça. Plus que ces navets Holywoodiens shootés aux clichés. Plus que ces merdes commerciales dont se nourissent les foules avides de divertissement facile, les vendredis soirs pour 10$ au Paramount ou au Guzzo. Plus qu'un produit de consommation qu'on jette après usage: un art. Le septième art. Mais aussi le premier de tous, en ce qu'il prend de tous les autres pour faire un ultime Art, le plus puissant. Et le plus passionant.